La obsesión por crear un método universal de clasificación ha sido una constante en la historia del arte, la literatura y la arquitectura. Alquimistas medievales, mecenas renacentistas y nihilistas de las vanguardias se vieron envueltos en la quimérica tarea de codificar el mundo a través de dispares taxonomías; en el siglo XX, arquitectos como John Hedjuk o Louis Kahn cimentaron su teoría compositiva en la construcción de un alfabeto propio para cada nuevo proyecto. Un sugerente catálogo de arquitecturas primarias capaz de revelar permanencias históricas como si de las letras de un abecedario primitivo se tratase: la “casa”, el “templo”, el “mercado” o la “torre” construyen una colección de lexemas arcaicos –referenciando a Aby Warburg y su Atlas Mnemosyne– que muestran cómo el mundo puede ser explicado a través de un escueto abecé arquitectónico. Este artículo indaga en uno de esos axiomas, “el puente”, icono que traza las conexiones fundacionales de tres proyectos no construidos: las mascaradas de John Hejduk, el Puente de Rialto de Andrea Palladio y el Palacio de Congresos de Louis Kahn. Con Venecia como soporte físico y onírico, esta terna de proyectos prueba cómo sus creadores reducen la idea de proyecto a un aforismo construido. The obsession with creating a universal method of classification has been a constant in the history of art, literature and architecture. Medieval alchemists, Renaissance patrons and avant-garde nihilists were involved in the chimerical task of codifying the world through disparate taxonomies; in the 20th century, architects such as John Hedjuk or Louis Kahn based their compositional theory on the construction of their own alphabet for each new project. A suggestive catalogue of primary architectures capable of revealing historical permanences as if it were the letters of a primitive alphabet: the "house", the "temple", the "market" or the "tower" build a collection of archaic lexemes –referring to Aby Warburg and his Atlas Mnemosyne– that show how the world can be explained through a brief architectural alphabet. This article delves into one of those axioms, "the bridge," an icon that traces the foundational connections of three unbuilt projects: John Hejduk s masquerades, Andrea Palladio s Rialto Bridge, and Louis Kahn s Congress Palace. WithVenice as a physical and dreamlike support, these three projects prove how their creators reduce the idea of a project to a constructed aphorism.

Esta investigación se centra en el estudio del Monumento a la Partisana que Carlo Scarpa realizó en Venecia entre 1964 y 1968, un basamento formado por 83 piezas de hormigón y piedra que sirvió de base a la escultura en bronce de una mujer yacente realizada por Augusto Murer. El conjunto de prismas se analiza desde tres puntos de vista: el geométrico, con la repetición de piezas iguales y la implantación de una retícula variable en planta y sección; el sistema constructivo, caracterizado por el ensamblaje del hormigón y piedra en cada una de las piezas y, por último, la percepción cambiante del monumento con las oscilaciones del nivel del agua de la laguna veneciana. Scarpa se aleja en esta obra de los detalles más sofisticados o retóricos, a los que nos tiene acostumbrados, para ofrecer un sistema preciso de elementos geométricos puros que expresa la relación entre arquitectura y naturaleza y refleja de un modo poético el paso del tiempo. This research focuses on the study of the monument to the Partisana that Carlo Scarpa made in Venice between 1964 and 1968, a base consisting of 83 pieces of concrete and stone, which served as the basis for the bronze sculpture of a recumbent woman by Augusto Murer. The set of prisms is analyzed from three points of view: the geometry, with the repetition of equal pieces and the implantation of a variable grid in plan and section; the construction system, characterized by the assembly of concrete and stone in each one of the pieces and, finally, the changing perception of the monument due to the water level oscillations of the Venetian lagoon. Scarpa moves away in this work of the most sophisticated or rhetorical details, to which we are accustomed, to offer a precise system of pure geometric elements that expresses the relationship between architecture and nature and reflects in a poetic way the passage of time.

“Hommage au Japon” es el título elegido por el arquitecto noruego Sverre Fehn para publicar en 1964 su primera vivienda unifamiliar construida, la Villa Schreiner, que con el tiempo se convertiría en un edificio icónico en su obra. Tras el singular eslogan, no menos escueto, y la descripción que lo acompaña, igualmente sucinta, es posible rastrear un amplio abanico de nexos que convergen en el proyecto. La evolución que muestran los planos originales consignados en el Nasjonalmuseet de Oslo evidencia que su raíz orientalista no es tan clara en origen y, sin embargo, sí se nutre de la modernidad que emana de la obra de Mies van der Rohe o de Le Corbusier, autores de referencia para el arquitecto nórdico. Sus intereses se filtran a través de la experiencia formativa vivida junto a Jean Prouvé y, gracias a sus vínculos con el grupo PAGON (Progresive Architects´ Group of Oslo, Norway), devienen en una obra cargada de un elocuente sincretismo moderno, pues no busca tanto planteamientos estéticos orientalistas, como integrar lo inmanente, internacional y local, en una respuesta contemporánea. “Hommage au Japon” is the title chosen by the Norwegian architect Sverre Fehn to publish in 1964 his first single-family house, the Villa Schreiner, which would eventually become an iconic building in his work. After the unique slogan and accompanying description, both succinct, it is possible to find a wide range of connections that converge in the project. The evolution shown in the original plans of the Nasjonalmuseet in Oslo shows that its orientalist origin is not so clear. However, the project does feed on the modernity of the work of Mies van der Rohe or Le Corbusier. Both authors were reference for the Nordic architect. His interests are filtered through the experience he has with Jean Prouvé, and through his links with the PAGON group (Progresive Architects´ Group of Oslo, Norway). All this becomes a work with an eloquent modern syncretism. The project does not look for orientalist aesthetic approaches, but to integrate the immanent, international and local, in a contemporary solution.

La imagen final de un proyecto oculta, en ocasiones, el proceso de creación del mismo. Un proceso donde las ideas evolucionan, se transforman y se reconstruyen, perdiéndose por el camino aspectos interesantes que no terminan de reflejarse una vez concluida la ejecución. Para entender cuáles son las claves de esos cambios, es necesario revisar los documentos que fueron quedando por el camino, tanto en la fase de concepción como en la de obra. Este aspecto es más relevante cuando el proyecto depende de un conjunto amplio de profesionales donde la toma de decisiones resulta compleja. El artículo pretende mostrar la vivencia proyectual de Gilles Clément, uno de los paisajistas más paradigmáticos de las últimas décadas, en el transcurso del proyecto del Parque André-Citroën a través de sus cuadernos de croquis y de documentos poco conocidos, pertenecientes a su archivo personal. De los primeros bocetos a la propuesta del concurso, el proceso de definición del proyecto y las dificultades en la realización de la obra. Todo ello con la idea de intentar comprender la experiencia vivida por el autor en su primer gran proyecto de espacio público, que se ha convertido en uno de los parques más emblemáticos de París. The final appearance of a project may occasionally conceal aspects of its creative process. A process along which ideas develop, evolve and are transformed by discarding interesting features which do not show on the final execution of the work. In order to discover the key elements that drove that evolution, it is necessary to examine the documents that were dispensed with, both while the project was being developed and during its execution. This practice is even more significant when a broad team of professionals, which makes decision-making more complex, undertakes the project. This paper intends to give some light to the process Gilles Clément, one of the most paradigmatic landscape architects in the last decades, went through while developing his project for André-Citroën Park, and it will do so through his sketchbooks and some scarcely known documents from his own personal archive. From the first sketches to the final proposal, the process to establish the main lines and the difficulty in the realization of the work, everything will be studied in order to understand how the designer experienced the creative process of his first important project of a public space, which has become one of the most emblematic parks in Paris.

La relación entre el hombre y el territorio está siempre mediada por la particular comprensión de dónde se encuentra el punto de partida. Esta situación seminal debe describirse antes de que se pueda llevar a cabo cualquier acción. Tradicionalmente, la actitud moderna hacia lo existente ha estado definida por una actitud de "tabula rasa", por la eliminación de rastros pasados como única forma de lograr lo nuevo. Los planes visionarios para París de Le Corbusier suelen tomarse como un caso paradigmático de este ideal de un comienzo despejado que todavía hoy persigue al arquitecto cada vez que se enfrenta al diseño de una intervención a gran escala, como se hace evidente en ciertas obras de OMA. Por otro lado, el término “terrain vague” comenzó a usarse durante las últimas décadas del siglo pasado para describir un vacío alternativo; uno que no reclama un estado cero de las cosas, sino que admite la información incrustada de un lugar, aunque sea escasa. Esta lectura posmoderna del territorio, promovida primero por el arte, la fotografía y el cine, fue luego absorbida por la práctica arquitectónica con la promesa de construir otro tipo de origen donde lo no normativo y lo accidental son bienvenidos. La confrontación de estas dos expresiones bien conocidas evidencia la problemática condición neutral del vacío, al tiempo que cuestiona nuestra disposición actual hacia el territorio. The relation between man and territory is always mediated by the particular understanding of where does the point of departure stand. This seminal situation needs to be described before any action can take place. Traditionally, the modern attitude towards the existing has been defined by a ‘tabula rasa’ approach, that is, the erasure of past traces as the only way to bring about the new. Le Corbusier’s visionary plans for Paris are usually taken as a paradigmatic case for this ideal of a cleared-out departure, which still today haunts the architect every time he is confronted with the design of a large scale intervention, as is made evident at certain works by OMA. On the other hand, the term ‘terrain vague’ started being used during the last decades of the past Century to describe an alternative emptiness; one that claims no zero state of things, but admits instead the embedded information of a place, even if it is scarce. This postmodern reading of the territory was first promoted by art, photography or films, and then absorbed into the architectural practice with the promise of building up another kind of origin where the non-normative and the accidental are welcome. By the confrontation of these two well known phrases, the neutral condition of emptiness itself is problematized, interrogating at the same time the nature of our current disposition towards the territory.

Santa María Micaela (Valencia, 1958-61), obra del arquitecto Santiago Artal, es un hecho singular dentro del panorama de la arquitectura española de los años cincuenta, ya que supone uno de los primeros ejemplos de incorporación de los planteamientos de la modernidad en la arquitectura de la vivienda colectiva y, al mismo tiempo, participa de algunas de las propuestas revisionistas llevadas a cabo por los jóvenes arquitectos que empiezan a ser críticos con la Carta de Atenas. En esos momentos, España vive una situación de aislamiento respecto de la realidad europea, donde las obras más destacadas de arquitectura residencial se están realizando en Gran Bretaña, asociadas, en parte, a la construcción de nuevas ciudades para descongestionar Londres. Dentro de un ambiente humanista, se intenta buscar modelos más cercanos a las culturas locales, otorgando primacía a las circulaciones y espacios de convivencia. En particular, resulta especialmente interesante, para su confrontación con Santa María Micaela, el caso concreto de Park Hill (Sheffield, 1953-60), de los arquitectos Jack Lynn e Ivor Smith. Nuestro objetivo será realizar un análisis comparado de estas dos obras, con el propósito de situar las viviendas de Artal dentro del contexto cultural y arquitectónico europeo de esos años. Santa María Micaela (Valencia, 1958-61), the work of the architect Santiago Artal, is a singular fact within the Spanish architecture panorama of the fifties, since it is one of the first examples of the incorporation of modernity approaches in the architecture of collective housing and, at the same time, participates in some of the revisionist proposals carried out by the young architects who are beginning to be critical of the Athens Charter. In those moments, Spain is living a situation of isolation from the European reality, where the most outstanding works of residential architecture are being carried out in Great Britain, associated, in part, with the construction of new cities to decongest London. Within a humanist environment, architects try to find models closer to local cultures, giving primacy to circulations and spaces of coexistence. In particular, it is especially interesting, for its confrontation with Santa María Micaela, the concrete case of Park Hill (Sheffield, 1953-60), by the architects Jack Lynn and Ivor Smith. Our objective will be to carry out a comparative analysis of these two works, with the purpose of locating the Artal dwellings within the european cultural and architectural context of those years.

El centro de interés de la Arquitectura se ha desplazado de “servir a la persona atendiéndola en todas sus dimensiones” a “generar un universo de formas y espacios sorprendentes, bellos y fotogénicos” relegando a quien los usará a un segundo plano o al olvido. Estudiando los rastros de la memoria fotográfica se detecta el fenómeno y ayuda a reenfocar la mirada hacia lo que de verdad importa. Esta preocupante evidencia cuestiona el papel otorgado a la persona al tomar decisiones de proyecto, la relación entre habitantes arquitectos y fotógrafos, el impacto docente de esta imagen desierta de la arquitectura y cómo afecta esto a nuestro presente y el futuro de la profesión. La fotografía, testigo insobornable de la historia reciente, muestra tras un filtro de “maquillaje” lo que se puede ver, y desvela lo que no queremos ver. La arquitectura deshabitada se contagia en la enseñanza y nos lleva a proyectar y fotografiar espacios “vacíos” en lugar de buscar que sean “interesantemente habitables”, pensando más en la “apariencia” que en la “experiencia”. Esto necesita una urgente revisión y un cambio de conciencia global o acabaremos reduciendo la arquitectura a un superficial, marginal y prescindible rol social asociado al Botox-shop. The target of Architecture has shifted from “attending the person in all its dimensions” to “generating a universe of surprising, beautiful and photogenic forms and spaces” relegating those who will use them to a second level or total oblivion. The phenomenon is easily detected by studying the traces of photographic memory, and this helps to focus on what really matters. This worrying evidence questions the role assigned to the inhabitant when making project decisions, the relationship between the inhabitants, architects and photographers, the teaching impact of these lifeless images of architecture, and how this affects our present and the future of the profession. Photography, the incorruptible witness of recent history, shows behind a filter of “makeup” what can be seen, and reveals what we don’t want to see. The still life architecture is contagious when teaching and leads us also to design and photograph “empty” spaces instead wishing them to be “interestingly habitable”, thinking more about the “appearance” rather than the “experience”. This needs an urgent revision and a global change of awareness or we will end up reducing the architecture to a superficial, marginal and dispensable social role associated with the Botox-shop.

En 1979, la Bienal de Venecia encargó al arquitecto Aldo Rossi el proyecto para el Teatro del Mondo: un edificio flotante que evocara las construcciones análogas de las fiestas populares de los siglos antecedentes, los escenarios adornados que navegaban por la laguna y los canales entreteniendo a la población que los acompañaba. Como era característico en la obra de Rossi, el Teatro del Mondo reunía la intención de recuperar el pasado y la memoria con la adopción de un lenguaje formal contemporáneo. Después de formar parte del Carnaval y de la Exposición Internacional de Arquitectura de la Bienal, el teatro navegó hasta Dubrovnik y finalmente fue desmontado. Aunque su materialidad haya desaparecido, el edificio-barco se mantiene preservado en la memoria y en la imaginación de sus admiradores. Durante años, su imagen solo pudo recordarse a través de fotografías y películas filmadas durante su corta existencia. Sin embargo, en 2004, la ciudad de Génova decidió reconstruir el Teatro del Mondo, aunque provisionalmente. La efeméride de los cuarenta años del proyecto, en 2019, da oportunidad a este artículo, que aborda la historia del famoso teatro y discute el tema de la reconstrucción a la luz del enfoque del proyecto como patrimonio. In 1979, the Biennale di Venezia commissioned the architect Aldo Rossi to design the Teatro del Mondo: a floating building that should evoke the analogous constructions of the popular festivities of previous centuries, the ornate theatre stages that navigated along both the lagoon and canals, amusing the population stood on the fondamenta. As is usual in Rossi’s work, the Teatro del Mondo combined the intention of recovering past and memory adopting contemporary formal language. After taking part in the Carnival and in the International Architecture Exhibition of the 1980 Biennial, the theater sailed to Dubrovnik and was eventually dismantled. Although its materiality disappeared, the building–boat remained preserved in the memory and imagination of its admirers. For years his image could only be seen in the photos and films captured during the short existence. However, in 2004, the city of Genoa decided to rebuild the Teatro del Mondo, albeit provisionally. The forty-year anniversary of the project in 2019 provokes this article, which addresses the historiography of the famous theater, as well as discusses the theme of reconstruction in the light of the approach of the design as heritage.

El Centro Histórico de Matera es declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad en 1993 debido a su representatividad como asentamiento de la región del Mediterráneo y simbiosis única entre sus características naturales y culturales. Desde entonces, los Sassi han tenido un intenso desarrollo económico, cultural y especialmente turístico; actualmente, la mayor parte de inmuebles recuperados tienen fines turísticos. A raíz del desalojo de habitantes de los Sassi en 1950, el área histórica ha permanecido casi deshabitada a pesar de las diversas estrategias impulsadas por el gobierno para promover la ocupación. Una de ellas, la ley 179/92 sobre la “Edificación residencial pública”, designaba áreas en desuso del Centro Histórico para implementar proyectos de vivienda. En esa línea, el presente trabajo se centra en el análisis, desarrollo y evaluación del proyecto arquitectónico para el Comparto “E”; desarrollado en 1996 en el marco de la ley previamente mencionada. El trabajo pretende determinar las principales falencias, beneficios y desafíos de esta iniciativa de ocupación de los Sassi de Matera, así como enriquecer el proyecto con alternativas y estrategias que puedan promover su ejecución. The Historic Center of Matera was declared as Cultural Heritage of Humanity in 1993, due to its representativeness as a settlement of the Mediterranean region and due the unique symbiosis between its natural and cultural characteristics. Since then, the Sassi have had an intense economic, cultural and especially touristic development; nowadays, most of the recovered properties are operating for tourism purposes. Following the eviction of Sassi inhabitants in 1950, the historic area has remained almost uninhabited despite the various strategies promoted by the government to promote occupation. One of them, the law 179/92 on the “Public Residential Building”, designated areas in disuse of the Historical Center to implement housing projects. In this line, the present work focuses on the analysis, development and evaluation of the architectural project for the Comparto “E”; developed in 1996 within the framework of the aforementioned law. The work aims to determine the main shortcomings, benefits and challenges of this initiative of occupation of the Sassi of Matera, as well as enrich the project with alternatives and strategies that can promote its execution.

Nos encontramos en una era post ecológica en que la naturaleza como arquetipo separado de lo humano ya no existe. Una era conocida como “Antropoceno” en la cual el calentamiento global, comúnmente conocido como cambio climático, es para muchos su crisis más emblemática. Un momento de responsabilidad personal y global en el que la imaginación y la acción se hacen necesarias. Una imaginación alimentada por la creatividad inscrita en la ecología, moldeada en escenarios estratégicos y diseños tácticos capaces de catalizar procesos culturales y físicos destinados a la adaptación al cambio climático. En ese contexto global, las costas de todo el mundo son uno de los territorios más densamente poblados y donde se hacen sentir con mayor intensidad los dinámicos efectos en cascada del cambio climático. Por ello se reivindica una costa libre del concepto metafísico de naturaleza estática a la que hay que proteger y se propone su reinvención a través del diseño. Esta reinvención conlleva su comprensión como sistema adaptativo complejo. Supone, por un lado, la reconfiguración del marco conceptual de la planificación y el diseño litoral y, por otro, la creación de un abanico tipológico y tecnológico de herramientas de diseño para paisajes costeros resilientes. We are in a post-ecological era in which nature, as a distinct archetype of the human, no longer exists. An era known as the `Anthropocene´, in which global warming commonly known as climate change, is for many, the most emblematic crisis. A moment therefore, of personal and global responsibility, in which imagination and action become necessary. An imagination nourished by the creativity inscribed in ecology, to produce molded strategic scenarios and tactical designs capable of catalyzing cultural and physical processes for climate change adaptation. In this global context, world coastal areas are one of the most densely populated territories where the dynamic cascading effects of climate change are more intense. For that reason, a coast free from the metaphysical concept of a static nature that needs to be protected is claimed, while reinventing itself by design is proposed. This reinvention entails their understanding as complex adaptive systems. It involves, on one hand, the reconfiguration of the conceptual framework of coastal planning and design and, on the other, the creation of a typological and technological toolbox for the design of resilient coastal landscapes.

Poder y Arquitectura han establecido vínculos interesados a lo largo del tiempo, demandando el primero, por voluntad impuesta, la manifestación iconográfica de esta que a su vez representa en sus diferentes estilos el mensaje ideológico requerido. El régimen nazi extremó esta alianza fáustica con una simbiosis simbólica fascinadora en su lenguaje codificado. Albert Speer, el brillante arquitecto del Führer visionario, quedó atrapado en esta atmósfera que cultivaba la idolatría al líder carismático dentro de una visión totalizante. Sirvió de instrumento eficaz en la creación de la arquitectura expresiva del político hasta el punto de lograr fijar en piedra la palabra del poder. Proponemos una mirada desde la Semiótica, como dispositivo complementario de análisis arquitectónico ya que no solo la arquitectura es funcionalidad, sino también expresión, emoción, y, sobre todo, comunicación. Speer alcanza sus mayores logros al conseguir en sus escenografías arquitectónicas un espacio cohesivo en el que la representación del poder absoluto llega al clímax emocional común, destinado a un público narcotizado en la fascinación colectiva. Es la semiótica, aún con sus limitaciones en su necesidad de reestructuración continua para las descodificaciones, donde las ideologías y la circunstancia perturban el mensaje, un eficaz instrumento analítico, entre otros, aplicable al campo arquitectónico. Power and architecture have established interested links over time, demanding the first one, for well versed will, the iconographic manifestation of this one that in turn represents in his different styles the ideological needed message. The nazi regime was this faustian alliance with a symbolic fascinating symbiosis in their coded language. Albert Speer, the brilliant architect of the visionary Führer, was caught in this atmosphere that cultivated idolatry to the charismatic leader within a totalizing vision. It served as effective instrument for the creation of the expressive architecture of the political to the point of achieving set in stone the word of power. We propose a look from semiotics as additional device of architectural analysis since not only the architecture is a functionality, but also expression, emotion, and, especially, communication. Speer reaches his greatest achievements to get in their architectural scenery a cohesive space in which the representation of absolute power becomes common emotional climax, destined to a public narcotized in the collective fascination. It´s the semiotics, even with their limitations in their need for continued restructuring for the decodifications, where the ideologies and the circumstance disturb the message, a successful analytical instrument, among others, applicable to the architectural field.

Se propone una “lectura” sobre aquellos lugares inciertos, que permita entender algunos aspectos de la realidad paisajística de nuestro tiempo a través de la reflexión: ¿Y si los mirásemos de otro modo?, ¿No serían ellos las páginas en blanco que necesitamos?, ¿No es acaso en el vacío donde puede aparecer la realidad del jardín como llenado del no-lugar, susceptible de albergar un espíritu nuevo? Tales espacios son registrados en la obra del jardinero G. Clément, Manifiesto del Tercer Paisaje y Le jardin en mouvement. De la vallée au jardin planétaire, cuando asume la condición de contemplarlos y redibujarlos bajo su mirada paisajística. Con el fin de completar la revisión sobre el paisaje incierto se propone un acercamiento al declive y la incertidumbre del paisaje a través de la experiencia del arquitecto Peter Latz en su Landschaftspark Duisburg-Nord, un paisaje fascinante conformado por los restos de un territorio industrial desolado, no obstante, con una gran capacidad de evocación en el que las posibilidades de recuperación del territorio son concebidas desde el jardín, desde el crecimiento espontáneo y salvaje de la vegetación, que rechaza la imitación o reproducción figurativa del paisaje natural, revelando la influencia de este caso de estudio sobre el Tercer paisaje. We propose to examine uncertain places and landscapes in a way that allows for the understanding of the main characteristics present in nowadays territorial realities. What if we were to look at these unattended landscapes otherwise? Would not they become the blank pages we are in need of? Is it not true that only in the void can the garden reality be, as a result of filling one “non-site”, capable of hosting a whole new spirit? The work of the French gardener G. Clément, The Third Landscape and Le jardin en movement. De la vallée au jardin planétaire, recognizes these spaces and pursues the task to contemplate and redraw them under its own landscape regard. In order to review uncertain landscapes we will approach decline and uncertainty in the work of the architect Peter Latz. Although it has already been broadly studied, due to his challenge and dialogue towards landscape, the investigation will take on the experience of Landschaftspark Duisburg-Nord, a fascinating landscape shaped by the fragments and leftovers of a desolate industrial territory which, nonetheless, possesses a great evoking capacity. Territory recovery possibilities are conceived from the garden perspective, from the spontaneous and wild vegetation growing that rejects being an imitation or figurative replica of the natural landscape, outlining the influence performed by this project on the subsequent Third Landscape theories.

La significación de la naturaleza, como referente desde el que Marion Mahony Griffin y Walter Burley Griffin tratan de generar una arquitectura alternativa, deviene de las profundas convicciones de ambos en el ser humano como aquel cuya relación directa con el entorno en el que habita produce una unidad indisoluble. Herederos del pensamiento trascendentalista americano, el interés de ambos por la cultura oriental, y en concreto por el sistema de representación nipón Ukiyo-e, les sirve para desarrollar estrategias proyectuales que condensan conceptos propios de esta disciplina artística, reflejando las características esenciales de la naturaleza no solo de forma gráfica sino también como realidad construida. Los proyectos para las comunidades residenciales de Rock Crest / Rock Glen y Castlecrag, en los Estados Unidos y Australia, son concebidos a partir de las ideas contenidas en los métodos gráficos nipones. El carácter efímero del individuo, en relación con el lugar en el que habita, implica una subordinación de este ante las leyes naturales que lo definen desde la escala urbana, y su implantación en el lugar, hasta la construcción y organización interior de cada una de las viviendas. The significance of nature as a reference from which Marion Mahony Griffin and Walter Burley Griffin try to generate an alternative architecture, comes from the deep convictions of both in the human being as one whose direct relationship with the environment in which they live produces a unity indissoluble. Heirs of the American transcendentalism thought, the interest of both for the oriental culture, and in particular for the Japanese representation system Ukiyo-e, serves to develop project strategies that condense concepts of this artistic discipline, reflecting the essential characteristics of nature not only graphically but also as constructed reality. The projects for the residential communities of Rock Crest / Rock Glen and Castlecrag, in the United States and Australia, are conceived from the ideas contained in the Japanese drawing style. The ephemeral nature of the individual in relation to the place where he lives, implies a subordination of the latter to the natural laws that define it, from the urban scale and its implantation in place, to the construction and internal organization of each one of the households.

Las cartografías, entendidas como una interpretación gráfica del territorio, son una de las herramientas principales para la comprensión de los lugares y uno de los puntos de partida del proyecto arquitectónico. Tradicionalmente un elemento que recogía tanto datos literales como subjetivos, desde finales del siglo XX se produjo una escisión entre los mapas que plasmaban grandes cantidades de información geográfica, y las representaciones del paisaje con una interpretación mucho más abstracta. En contraposición a la cartografía no procesada, tanto el arte como la arquitectura buscaron procesos creativos que consiguieran recuperar los valores que se destilaban del territorio, para generar discursos mucho más ricos y profundos. Estas representaciones estaban cargadas de subjetividad y elementos que se hacían eco de aspectos personales de los artistas o los arquitectos, que influyeron en su lectura del paisaje. Este artículo busca hacer un recorrido a través de diversas maneras de entender y representar el territorio, donde las obras y proyectos son un reflejo de la capacidad de interpretar un lugar de diferentes maneras, dependiendo de la percepción, la cultura, e incluso las experiencias personales. Cartographies, understood as a graphic interpretation of the territory, are one of the main tools to comprehend places and one of the starting points in the architectural project. Traditionally an element that gathered literal data as well as subjective data, since the late of the 20th century a split appeared between maps that brought out great amounts of geographic information, and the landscape depictions with a much more abstract interpretation. In contrast to raw cartography, both art and architecture have looked for creative processes that could recover the worths that can be drawn from the territory, to produce more substantial and more profound speeches. These displays were full of subjectivity and elements that talked about personal aspects of the artists and architects, which were relevant in their landscape reading. This article shows a journey through diverse ways of understanding and pictures the territory, where the works and projects are a reflection of the ability to read a place in different ways, depending on the perception, the culture, or even the personal experiences.

El “Programa Nacional de Tambos” (PNT) ha significado un logro importante del estado peruano para tener presencia efectiva en las poblaciones rurales más alejadas del territorio nacional, mediante la implementación masiva de edificaciones –“tambos”– que actúan como plataformas multisectoriales que permiten la provisión de servicios básicos. Inicialmente, el planteamiento arquitectónico del tambo fue realizado bajo un sesgo asistencialista, sin embargo, ahora se enfrenta a demandas heterogéneas acordes con la dimensión poblacional, región natural y capacidades productivas de los centros poblados rurales. En este contexto, la presente investigación tiene como objetivo identificar las potencialidades proyectuales del PNT desde una visión sistemática del territorio nacional, a fin de que estas sirvan como insumos para articular óptimamente los futuros planteamientos del PNT a las cualidades del territorio peruano. Esto se logra a partir de una síntesis teórica y gráfica –mapas y diagramas– del fenómeno de la dispersión poblacional evidenciando que la ruralidad peruana no solo es un tema demográfico-social sino que está muy relacionado también con componentes físico-espaciales y, por lo tanto, es necesaria una visión sistemática del territorio nacional para intervenirlo desde el ejercicio arquitectónico. Como resultado de la investigación, se desarrollan cuatro potencialidades proyectuales –programa, localización, demanda y forma– que posee el PNT y que deberá contemplar para intervenir en futuros escenarios remotos del ámbito rural peruano. The “Programa Nacional de Tambos” (PNT) has meant an important achievement of the Peruvian state to achieve an effective presence in the rural populations furthest from the national territory, through the massive implementation of buildings called “tambos” that act as multisectoral platforms that allow the provision of basic services. Initially, the architectural approach of the tambo was carried out under a welfare bias, however, now faces heterogeneous demands according to the population dimension, natural region, and productive capacities of the rural population centers. In this context, the present investigation has as objective to identify the project potentialities of the PNT from a systematic vision of the national territory, in order that these serve as inputs to optimally articulate the future approaches of the PNT to the qualities of the Peruvian territory. This is achieved from a theoretical and graphic synthesis –maps and diagrams– of the phenomenon of population dispersion showing that Peruvian rurality is not only a demographic-social issue but is more related to physical-spatial components, and therefore, a systematic vision of the national territory is necessary to intervene from the architectural exercise. As a result of the research, four project potentialities –program, location, demand and form– that PNT has and that must contemplate to intervene in future remote scenarios of the Peruvian rural area.

La pintura de Fernand Léger confluyó intermitentemente con aspectos arquitectónicos tales como las relaciones armónicas de volúmenes, líneas y colores. Su apuesta por el mural frente a la pintura de caballete le permitió introducir en sus composiciones factores como el peso, el contraste o el equilibrio cromático. Todos ellos, sumados a otros más sociales, como la utilidad, debían regir el valor artístico futuro sin, a su juicio, olvidar capitalizar las experiencias acertadas del pasado. Este artículo analizará la evolución de sus creaciones más sinérgicas con la arquitectura abordando tanto sus reflexiones de escritor prolífico como la materialización de estas en su pintura. Dicha doble lectura facilitará, desde un enfoque espacial, identificar elementos de experimentación arquitectónicos novedosos como la pared flexible, el muro elástico o el color asociado a características tanto constructivas como vitales, al relacionarlo con sus efectos psicológicos y sensoriales. El objetivo será demostrar críticamente si el entendimiento entre el tripartito Pared-Arquitecto-Pintor, al que se dedicó con diversos co-protagonistas, consiguió la anhelada integración del arte, o si, por el contrario, dicha simbiosis perjudicó en ciertos casos la arquitectura que acogía sus composiciones y creaciones pictóricas. Fernand Léger’s painting coincided together intermittently with aspects of modern architecture such as the harmonious relationship between volumes, lines and colors. His choosing of the mural as opposed to easel painting allowed him to include factors like weight, contrast or chromatic balance in his work. He was of the opinion that all of these aspects, coupled with others of a more social nature, such as utility, should govern future artistic value, without forgetting to make the most of the successful experiences of the past. This article will analyze the evolution of his most synergetic creations in architecture, addressing both his thoughts as a prolific writer and the bringing to life of these thoughts in his painting. This double reading makes it easier, from a spatial approach, to identify elements of innovative architectural experimentation, such as the flexible wall, the elastic wall or the color associated with both constructive and vital characteristics, on relating them with their sensory and psychological effects. The aim will be to demonstrate, from a critical point of view if the understanding between the tripartite Wall-Architect-Painter, which he dedicated himself to, along with others, achieved the longed for integration of art or if, on the contrary, this symbiosis adversely affected the architecture that housed his work and pictorial creations in certain cases.

La belleza es, desde la tradición clásica, una de las partes esenciales de la buena arquitectura, pero al mismo tiempo una de las más esquivas y difíciles de definir. Frente a cuestiones como la solidez o la funcionalidad, objetivamente evaluables, lo bello parece escapar a cualquier pretensión de comprensión unívoca, apelando a la subjetividad del observador y a la relación de este tanto con el hecho arquitectónico como con su propio contexto cultural. A lo largo de la historia han sido varios los intentos de acotar ese concepto de belleza arquitectónica. Este texto aborda algunas de las aportaciones, fundamentalmente americanas, que durante el siglo XX quisieron identificar la belleza en unos rasgos que, de acuerdo a la más consolidada tradición formal, deberían estar desprovistos de ella: la ausencia de orden y armonía. Unas aportaciones que, al contrario que otros intentos de legitimación del desorden mediante su asociación a determinados cánones estéticos, como lo sublime, lo grotesco o lo feo, trataron de redefinir el propio concepto cultural de belleza. Y, al hacerlo, reconectaron este valor no solo con el resto de principios de la tradición clásica –firmeza, utilidad–, sino también con algunos de los retos de la arquitectura actual. The beauty is, from the classical tradition, one of the essential components of the good architecture, but at the same time one of the most elusive and difficult to be defined. Faced with objectively evaluable issues such as solidity or functionality, the beauty escapes from any pretension of being univocal understood and it seems to appeal to the subjectivity of the observer, their relationship with the architectural fact and their own cultural context. There have been several attempts to limit that concept of architectural beauty throughout history. This paper addresses some of the contributions that during the 20th century wanted to identify beauty in features that, according to the most classical formal tradition, should be devoid of it: the absence of order and harmony. These, unlike other attempts to legitimize disorder through its association with certain aesthetic canons such as the sublime, the grotesque or the ugly, tried to redefine the cultural concept of beauty itself. And in doing so, they not only reconnected this value with the other principles of the classical tradition –durability, utility–, but as well with some of the challenges that contemporary architecture has to face.